Il mondo dell’arte è stato sempre in evoluzione ma da qualche anno ormai la produzione artistica sta attraversando una profonda trasformazione legata a un progressivo intreccio di tecnologia, finanza e creatività. In particolare, si sta sviluppando notevolmente il mercato della criptoarte o arte crittografica, una categoria legata alla tecnologia blockchain e alla diffusione degli NFT (non- fungibile token), ossia dei certificati digitali unici e non replicabili che garantiscono l’autenticità e la proprietà di un contenuto digitale, rendendolo così tracciabile e commerciabile su piattaforme decentralizzate. Grazie alla certificazione di unicità e autenticità delle opere, il tracciamento della proprietà e la possibilità di monetizzare dalle vendite secondarie, gli NFT non solo consentono agli artisti digitali di guadagnare direttamente dai propri contenuti, pubblicandoli e vendendoli senza bisogno di intermediari, ma consentono anche di realizzare intere collezioni e progetti complessi intorno all’opera, creando un circolo virtuoso di scambio di valore tra persone interessate e la formazione di comunità intorno all’artista e alle sue opere.
Questa nuova forma d’arte viene ancora vista con diffidenza, ma a poco a poco ha cominciato a diffondersi e ad essere accettata dal mondo dell’arte contemporanea, tanto che negli ultimi anni ci sono state numerose mostre di arte digitale organizzate sia in Italia sia all’estero. Tuttavia rimane aperta una questione: la percezione del valore estetico di un NFT differisce da quella di un’opera d’arte fisica?

Ovviamente non possiamo applicare qui i criteri tradizionali della valutazione estetica e di conseguenza è forse necessaria una riformulazione del concetto di “opera d’arte”.
Innanzitutto bisogna considerare che percepire un’opera d’arte significa fare esperienza dell’opera in un tempo e in uno spazio, all’interno dei quali il soggetto che osserva l’oggetto artistico lo sperimenta uscendo momentaneamente dalla sua quotidianità ed entrando in una sorta di «atteggiamento estetico»¹. In altre parole, quando osserviamo un’opera d’arte entriamo in un’altra dimensione costituita da un tempo e da uno spazio differenti rispetto a quelli in cui noi inizialmente facciamo esperienza dell’opera: osserviamo ciò che è rappresentato come se fosse reale “qui e ora”, così come lo era nel luogo e nell’istante della sua creazione ed è su questo essere persistente e permanente dell’immagine raffigurativa che si basa il piacere estetico². Edmund Husserl chiarifica tale concetto riportando a questo proposito l’esempio di una statuetta di bronzo raffigurante un corridore: il corridore, raffigurato nell’atto di correre in un altro spazio e tempo rispetto a quello dell’osservatore, rimane fisicamente immutato in ogni momento in cui l’osservatore, nella sua dimensione spazio-temporale, lo esperisce. Infatti, «il corridore appartiene a un altro tempo e a un altro spazio. È un’invenzione. Ma la fase temporale a cui appartiene è “presentata” come distaccata, non esiste nel tempo e non è una fase realmente persistente. Al contrario, è precisamente solo una fase, sempre la stessa, ogni volta che la osservo»³. L’atteggiamento estetico corrisponde quindi all’entrata da parte dell’osservatore nella dimensione in cui il corridore sta correndo, pur esistendo e rimanendo nello spazio e nel tempo in cui lo esperisce.
Quindi, quando cerchiamo di definire cosa sia un’opera d’arte, dobbiamo inevitabilmente considerare il suo sfondo, o meglio, il suo orizzonte con la sua particolare dimensione spaziale, temporale e di significato.

È la stessa espressione “opera d’arte” che suggerisce una risposta al quesito iniziale. La prima parola che la compone, “opera”, suggerisce il fatto che l’opera d’arte è una produzione, un artefatto, e che quindi ha dietro di sé un lavoro mentale e pratico fatto da un artista che vuole condividerlo. Tale condivisione è possibile all’interno del «mondo dell’arte», ossia un «mondo circostante», uno «spazio culturale», accessibile tramite l’opera d’arte, in cui si realizza in modo totale e multidisciplinare l’intersoggettività, rappresentata dall’artista che crea le sue opere, dal critico che le giudica e dal collezionista che le acquista⁴.

Come gli oggetti d’arte tradizionali, anche gli NFT, in quanto identificatori dell’opera d’arte, garantiscono la possibilità di fare un’esperienza estetica, permettendo l’accesso al mondo dell’arte e alle sue relazioni sociali e finanziarie.
È però interessante puntualizzare che tra arte tradizionale e arte crittografica cambia il concetto di “valore” attribuito alle opere: si passa da un valore tangibile a un valore virtuale, principalmente legato all’attività speculativa, basato sull’acquisto del concetto di possedere un oggetto.
Come afferma Beeple, pseudonimo dell’artista digitale Mike Winkelmann: «quello che stiamo vedendo oggi con gli NFT è una rivoluzione che sta cambiando il modo in cui pensiamo alla proprietà nell’arte digitale. Non è più solo un file su un computer, ma qualcosa che ha valore, come un quadro o una scultura»⁵. 

Acquistare un NFT non equivale ad acquistare la proprietà dell’oggetto digitale associato all’NFT, ma solo un certificato (token) che ne garantisce l’autenticità e la possibilità di esercitare dei diritti su di esso, come il diritto di visualizzarlo o di rivenderlo. Questa transizione dal valore tangibile a quello virtuale ci invita a una riflessione: in un’epoca in cui tutto è facilmente riproducibile, reperibile e acquistabile ricerchiamo l’unicità e l’autenticità.
Ancora una volta l’arte ha realizzato il suo obiettivo principale, cioè stimolare domande e discussioni, proponendo nuove possibilità. Una delle possibili sfide del futuro sarà forse garantire che l’arte possa rimanere un patrimonio condiviso e significativo per tutti, attraverso la ricerca di un equilibrio tra la dimensione speculativa e quella culturale di quest’ultima.

NOTE
1. Cfr. E. Husserl, [Text No1, Chap. 2] Phantasy presentation as image presentation, in “Phantasy, Image Consciousness and Memory. Husserliana Collected Works 11”, trad. J. B. Brough, Dordrecht, Springer, 2005.
2. Cfr. Ivi, pp. 20-21.
3. Cfr. E. Husserl, [Appendix LVII] The World of Actual Experience – The Worlds of Phantasy and [Appendix LVIII] On the Theory of Depiction in: Phantasy, Image Consciousness and Memory. Husserliana Collected Works 11. Trans. J. B. Brough. Dordrecht: Springer, 2005, p. 646.
4. Cfr. J. B. Brough, Art and Artworld: Some Ideas for a Husserlian Aesthetic, in R. Sokolowski
(ed.) “Edmund Husserl and the Phenomenological Tradition. Essays in Phenomenology”, Washington D.C.,The Catholic University of America Press, 1988.
5. Cfr. Beeple, Mike Winkelmann, NFTs: The Future of Digital Art, ArtNet, 2021.
[Photo credit Andrey Metelev via Unsplash.com]

Elisa Chiandotto
ha 25 anni e attualmente vive a Portogruaro, in provincia di Venezia. Fin dall’adolescenza coltiva due grandi passioni: la musica e la filosofia. Quest’ultima è diventata il fulcro del suo percorso di studi, portandola a laurearsi in Filosofia e in Scienze Filosofiche all’Università di Bologna. Crede profondamente che la filosofia non sia solo un insieme di concetti astratti, ma una pratica quotidiana che ci aiuta a ridefinire il nostro rapporto con il mondo e con noi stessi. Lo scopo dei suoi studi è esplorare il modo in cui il pensiero critico possa aprire spazi di libertà, offrendo strumenti per interpretare e vivere la realtà con maggiore consapevolezza.